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La música siempre ha desempeñado un papel importante en el aprendizaje y la cultura, pudiendo llegar a influir en costumbres y emociones.
En muchas ocasiones la música forma parte de la tradición de un país o de una región.
En numerosas circunstancias se convierte la música en verdadera protagonista

La música es de mucha importancia, la podemos encontrar en anuncios de publicidad para potenciar más la atención del espectador, en el cine para darle más belleza a las obras, en la danza para otorgarle emoción a cada movimiento...

¿Quieres aprender más?

Todo-Música es un espacio lleno de información donde conocerás de manera clara y entretenida algunos de los conceptos relacionados con lo maravilloso que es el infinito universo de la música ¡acompáñanos a recorrer este increíble mundo!




La música en las artes escénicas, el cine, el video y los avisos publicitarios.



I Músicas relacionadas con diversas expresiones del entorno cotidiano:


En este punto conoceremos que es un video clip, la música en el cine , la danza en siglos anteriores hasta hoy y música en obras teatrales así también publicidad



a. ¿Qué es el vídeo-clip?

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Un videoclip es una pieza corta de vídeo que se ha popularizado mucho en Internet en los últimos tiempos. Proviene del cortometraje, pero este es muchísimo más corto y no se somete obligatoriamente a un proceso de producción y edición industrial o técnico. Tanto el cortometraje como el largometraje se componen de cientos de video clips unidos entre sí. Las páginas web lo han popularizado bastante como ejemplo claro de esto es you tube.
Están clasificados en varios tipos, esencialmente los de programas de televisión, tráilers o avances de cine, vídeos musicales y blogs. Se estima que hay millones de clips en la web.
The Beatles fue el primer grupo musical en crear un videoclip, ante la imposibilidad de asistir a todos los programas televisivos que requerían su presencia. Crearon en realidad dos videoclips para acompañar la música de los singles Paperback Writer y Rain en 1966.




A medida que han pasado los años se han incorporado nuevos avances para la creación de un video clip, usando nuevas melodías, imágenes y una infinidad de elementos que la tecnología a puesto a nuestra disposición:




Colaboradores de Wikipedia. Tarka [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2010 [fecha de consulta: 18 de Octubre del 2010]. Disponible en : http://es.wikipedia.org/wiki/Clip_de_video




b.La música para cine: actualidad y retrospectiva histórica.


El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios. La tecnología del cine ha evolucionado desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el poderoso cine digital del siglo XXI.
En su primera época, el cine "hablaba" a través de carteles y de las expresiones de los personajes que daban a entender con sus gestos lo que pasaba en la pantalla.
Como el cine era mudo, faltaba algo para darle vida a los personajes, para esto se incorpora la música , la cual facilita al entendimiento del espectador , como por ejemplo tenemos que en sus comienzos se incorporó el piano Así, cuando aparece el "malo" de la película, el pianista agrega unos acordes ominosos para decirlo; del mismo modo, interpreta un tema de amor para la chica o fanfarrias para el héroe.
A medida que pasaba el tiempo se dieron cuenta que necesitaban más efectos para las escenas, como sonido de lluvia, relámpagos, golpes, etc. Fue así que Utilizando lo que había a su alcance, generaron nuevos sonidos como con el choque entre tablas de madera, laminas de acero, caída de vasos, etc. Donde después los grababan Para así dar un efecto más realista a la cinta.
Mientras se incrementaba la creación de nuevas películas también aumento el número de instrumentos en la utilización de estas dando como resultado la formación de una orquesta, englobando mejor el ambiente dándole sentido y textura a cada escena.
Hasta nuestros días la música en orquesta se mantiene en la realización de nuevas películas , solo que se le ha implementado la tecnología del siglo 21 , con nuevos métodos para expresar mejor lo que quiere decir la escena, incorporando también música de otros artistas en el cuadro que se requiera.



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Charles Camplin "el circo " 1927
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"Avatar" 2009
















Colaboradores de Wikipedia. Tarka [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2010 [fecha de consulta: 24 de Octubre del 2010]. Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cinematogr%C3%A1fica



c. La música para danza: expresiones actuales y retrospectivas histórica:


La danza es una manera de expresarse, al igual que el habla, escritura , etc.

En los tiempos de la prehistoria el hombre nómade (trasladarse de un lugar a otro), utilizaban la danza para comunicar sentimientos y peticiones hacia la naturaleza acompañados del ritmo de los pies golpeando el suelo, gritos, golpe de manos, etc. un ejemplo era la danza de la fertilidad. y al volverse sedentarios danzan para la lluvia, donde los hechiceros eran los que enseñaban la música para el ritual, pasando el ritmo de las palmas al choque entre piedras comenzando a tener mas sentido. donde ahora la danza se utiliza para rituales y ceremonias.

En las primeras civilizaciones los bailes de origen celta van acompañados con un pandero con danza en círculo, ocupando pañuelos y telas para dar efecto de movimiento. La mayoría de estos bailes eran ceremoniales para comunicarse y darle ofendas a sus numerosos dioses. Que era la unión de poesía, música y movimiento. Utilizándose en la mayoría coros:

  • Ditirambo: danza dionisíaca posterior, era una especie de himno cantado al rey Dionisio, era un coro de 50 personas que giran alrededor de Dionisio, se sacrificaba animales, el jefe invocaba y las bailarinas gritaban ritos, constituyo el principio de la orquesta, más tarde perdió lo religioso por un reflejo entre dioses y héroes.

  • Saturnales:Dedicadas a Saturno, también llamadas Danzas cereales, eran de carácter alegre pero no inmoral, imitaban con saltos el crecimiento del cereal, se producía un cambio de indumentaria.

  • Florales: En honor a flora, diosa de las flores y se celebraban en días de sequía o mala cosecha, Eran las danzas de mayor desenfreno, con el tiempo se convirtió en una orgía, prohibiéndose. Los libertinos contribuyeron a la importación de bailarinas gaditanas y de Oriente.

En la edad media La danza era interpretada por voces y una gran variedad de instrumentos como arpas, flautas, trompetas e instrumentos de percusión. Todos estos instrumentos juntos creaban gran variedad y espontaneidad. Creando un ambiente agradable por la gente de la época. Considerándose la danza como parte importante en la cultura. A pesar de que hubo una gran cantidad de oposiciones, la gente la continuaba practicando La iglesia y algunos emperadores de la edad media estaban en contra de la danza porque contenía mucho movimiento sexual.


En el renacimiento las danzas populares se transformaron en bailes sociales en los castillos y palacios de la nobleza. Los cortesanos descubrieron el baile de parejas, y desarrollaron danzas con pasos estudiados y evoluciones preestablecidas que era necesario aprender para ser buen cortesano. Comenzó así una diferenciación entre danzas folclóricas, cantadas y bailadas por el pueblo, y danzas cortesanas o de salón, las que bailaba la aristocracia.



Durante esta época, fue la baja danza, de pasos breves y deslizantes, en la que los pies apenas se apartaban del suelo, la más extendida. Durante el Renacimiento los maestros de baile fueron ya comunes; ellos establecían las reglas de cada baile, lo enseñaban y llevaban las nuevas danzas de una corte a otra. La imprenta favoreció enormemente la difusión no solo de la música, sino también de las danzas que la acompañaban. Danzas como la pavana y la gallarda, la alemanda, la gavota, la giga o el minué, todas ellas de gran tradición musical, se extendieron ampliamente por toda Europa, y fueron el origen de la suite instrumental barroca.



En la época conteporanea La danza es un tipo de expresión artistica que esta basado en la técnica del ballet clásico, y que conllevaba menor rigidez de movimientos. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.Esta danza es cien por ciento interpretativa, sus movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de comunicar un mensaje.
La música que se utiliza en este ballet es de tipo clásica, instrumentos, como violin, arpa, piano,etc.que le dan sentidos expresivos al baile causando emoción en el espectador siendo un tipo de música conservadora.
Sus mayores interpretes son wolf amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

Hoy en dia, las tecnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegando incluso no entender a que estilo se asemeja o que patrones sigue. Pero sigue siendo baile, una DANZA

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d. Presencia en la música en expresiones teatrales:


En una obra de teatro, no basta solo con la representación de personajes, debe ir incluida la escenografía, luces, maquillaje, música, etc. Porque estas juegan unos de los papeles más importante en la obra, dándole un sentido más realista, llegando profundamente al sentimiento de cada espectador.

Esta comprobado que la música, en una escena es agradable para el espectador e indudablemente siempre potencia la escena. Por lo tanto se deduce que la música es fundamental en la escena (en mesclar texto con música, estar presente en un momento se silencio o acción), desarrollándose casi como un “videoclip-teatral”
La música en la obra teatral es la música incidental (música de fondo), y crea una atmósfera para los cambios de escena, que puede ser interpretada por músicos en vivo en el escenario.


El uso de música incidental para el teatro data de la antigüedad del drama griego. Varios compositores de música clásica han compuesto música incidental para varias obras teatrales como:


  • Mozart en “réquiem” (1791)




* se puede escuchar claramente como la música da el sentimiento junto con la voz de los actores un sentido armonioso distinto a la obra.




los “musicales” en brodway (Estados Unidos) son obras que mejor muestran la música en el teatro porque los diálogos de los personajes son todos cantados mas toda la música tocada de principio a fin siendo mas entretenida y llamativa de ver y escuchar .

Este es un recital en vivo de brodway “la bella y la bestia” (2008, Disney)







Colaboradores de Wikipedia. Tarka [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2010 [fecha de consulta: 25 de Octubre del 2010]. Disponible en : http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_incidental


Colaboradores de “Tetralizarte” (en línea) portal Argentino, 2010. (Fecha de consulta: 24 de Octubre de 2010). Disponible en: http://www.teatro.meti2.com.ar/tecnica/sonido/lamusicalizacion/lamusicalizacion.htm



e. Presencia de la música en la publicidad:

Cada música, independientemente del grupo al que pertenece, produce distintas sensaciones en el espectador.
Los oyentes recogen información, sentimientos, valores,... a partir de la música, los cuales también pueden acercarle al producto que se anuncia con una determinada música de fondo.
Tanto la música en sí misma, como las letras influyen en la audiencia.
En principio no se pueden separar. Además, suponen una estimulación extraordinaria de los sentimientos y emociones. El sonido en cine y televisión es el vínculo físico del espectador con la imagen.
Los publicistas esperan convencer a sus espectadores mediante muchas formas, entre ellas utilizan la música, una simple melodía puede hacer que el comprador a donde vaya recuerde la melodía del anuncio publicitario y tararee algún estribillo. La música puede estar compuesta expresamente para un anuncio o utilizar una melodía conocida tanto en su versión original como adaptada para la ocasión. Algunas melodías insertadas en anuncios han llegado a ser tan populares que han conseguido lanzar al estrellato a sus autores.
La función principal de la música en un anuncio es fijar el recuerdo, mediante repetición inconsciente por parte del espectador de melodías pegadizas, conocer los diferentes tipos nos ayudará a entender en qué medida ocurre este fenómeno, con qué propósitos y a que público se dirige.

Existen tres posibilidades de música para publicidad:

1. Jingles
2. Logos Musicales
3. Música Incidental

Existe la posibilidad de que en un spot publicitario se combinen estos tres:

1. El jingle es una música hecha para un comercial que siempre es cantado, los locutores cantantes siempre cantan las cualidades del producto, sus fortalezas y generalmente se termina el jingle con el eslogan del producto.




Así también se utiliza el jingle para publicidad en la radio .


2- El logo musical sencillamente es una melodía que acompaña al termino del anuncio publicitario, es un sonido breve.


3- La música incidental es con frecuencia "música de fondo", y crea una atmósfera para la acción. Puede incluir obras que agreguen mayor interés al público, por ejemplo obertura, o música que se interprete entre los cambios de escena. También puede requerir músicos que la interpreten en vivo en el escenario.



Colaboradores de Wikipedia. Tarka [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2010 [fecha de consulta: 25 de Octubre del 2010]. Disponible en : http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_incidental



II Música, movimiento e imagen visual.


a. El gesto como forma de expresión y comunicación:

El gesto es una forma de comunicación no verbal ejecutada por el movimiento del cuerpo (como cara o manos) donde expresan los estados de ánimos del individuo.

El lenguaje de los gestos permite expresar sensaciones y pensamientos, desde desprecio hasta afecto. Prácticamente todas las personas utilizan gestos junto con palabras al hablar.

Ciertos tipos de gestos pueden ser considerados culturalmente aceptables dependiendo del lugar y contexto en que se realicen.

El “código morce” es un lenguaje basado en gestos, donde las personas sordas se pueden comunicar por este medio.

Se distinguen cinco categorías de gestos, propuestas por Paul Ekman y Wallace Friesen:

· Gestos emblemáticos: son señales emitidas intencionalmente y que todo el mundo conoce su significado.

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· Gestos ilustrativos: son gestos que acompañan a la comunicación verbal para recalcar lo que se dice o suplantar una palabra en una situación difícil. Se utilizan intencionadamente. Este gesto es muy útil en los discursos.

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· Gestos reguladores: Con ellos se sincroniza la comunicación y el canal no desaparece. Se utilizan para tomar el relevo en la conversación, para iniciar y finalizar la interacción, etc.

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· Gestos emotivos: estos gestos reflejan el estado emotivo de la persona y es el resultado emocional del momento. Como ansiedad o tensión, muecas de dolor, triunfo, alegría, etc.
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· Gestos de adaptación: son aquellos gestos que se utilizan para manejar emociones que no queremos expresar, para ayudar a tranquilizarnos. como proteger a otra persona. Los adaptadores también pueden ser inconscientes, unos ejemplos muy claros son el de morderse una uña o chuparse el dedo.

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Colaboradores de Wikipedia. Tarka [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2010 [fecha de consulta: 25 de Octubre del 2010]. Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Kin%C3%A9sica



b. Expresión gestual en las músicas y las artes visuales del entorno cotidiano :

Como mencionamos anteriormente la gestualidad en la interpretación ya sea una expresión facial o movimiento de brazos actúa unida con la percepción auditiva con el objetivo de que el espectador capte totalmente lo mostrado.
En la escucha auditiva (radio o en teléfono) no actúa el factor gestual, al contrario de la escucha visual (video o en el teatro).

Tipos de expresión gestual en:

· Musicas:

Un ejemplo de la gestualidad en la música es la que pone isaac Albéniz, en el valor emotivo de los silencios al tocar piano en un recital. En el inicio de su Corpus Cristi en Sevilla: dejaba descansar las manos sobre su opulento abdomen durante los silencios que separan los "redobles de tambor", resaltando así el carácter de solemnidad. Llegando de mayor fuerza el sentimiento que quería expresar a la pieza musical.

la ausencia de expresión gestual o su inadecuación, produce una percepción falseada del carácter de la obra que se interpreta. Aclaradora es la observación del pianista Alfred Brendel quien comenta el impacto que sufrió al verse por primera vez en televisión, dándose cuenta hasta qué punto sus gestos y muecas se apartaban de la música que interpretaba, que llegaban incluso a estar en contradicción con el sentido musical que pretendía transmitir.


Lo que hace el director de orquesta con la batuta (varilla utilizada para guiar la orquesta) utiliza un código de gestos para guiar a los distintos instrumentos en la orquesta, donde un movimiento de ella indica a los violinista que tan fuerte o suave debe ser tocado el instrumento y a que raidez, etc.


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· Artes visuales:


Se muestra excelentemente en las obras de teatros, donde los personajes con sus expresiones nos muestren las emociones retratadas en cada escena, incluyéndonos en la obra.

Este video nos explicara brevemente la mayoría de los gestos retratados por lo actores en sus obras.






Colaboradores “slideshare” presentaciones en línea 2010. (Fecha de consulta: 27 de Octubre 2010). Disponible en: http://www.slideshare.net/Evita666/el-gesto-en-el-arte


Colaboradores “Revista Musical del ateneo de Madrid” en línea (Fecha de consulta: 27 de Octubre 2010). Disponible en:

http://www.revistamusicalateneo.com/investigacion/la-gestualidad





c. La percepción audiovisual del tiempo:


Audio + Visual = Audiovisual el cine la televisión y demás medios audiovisuales no se dirigen sólo a un único sentido la vista, sino que también se usan otras formas.
En la combinación audiovisual (ver las imágenes mas oír los sonidos ) una percepción influye en la otra y la transforma: no se ve lo mismo cuando se oye; no se oye lo mismo cuando se ve.
Se considera a la música, los sonidos y los ruidos como información suplementaria, como comentario de las imágenes.

Lo llamamos valor añadido:

Podemos observar cómo el valor añadido es recíproco: «el sonido hace ver la imagen de un modo diferente a lo que ésta muestra sin él, la imagen, por su parte, hace oír el sonido de modo distinto a como éste resonaría en la oscuridad
Este valor añadido puede tener distintos efectos en la percepción de la imagen, influyendo en la sensación de movimiento y velocidad y, sobre todo, en el tiempo percibido. Ambos, la imagen y el sonido llegan a un punto de sincronización sonora y visual
Este es el caso de imágenes visuales de golpes, disparos o impactos, reforzadas con sonidos en un encuentro puntual e instantáneo.


A continuación en este video veremos la sincronización de la imagen con el sonido, como influye una en la otra:








III . Música, espacio y textura.



La música posee la capacidad de despertar en las personas sentimientos de diversa índole, experimentando reacciones de alegría, melancolía, tensión, relajación etc.

Cuando a un baile se le incorpora música esta misma circunstancia ocurre en el bailarín/a, produciéndole una enorme acción emotiva que le impulsa a expresarse a través de sus movimientos.
danzafff.jpgLa música aporta al bailarín/a la fuerza y la motivación que necesita para comunicarse.
Pero para que la danza fluya, es necesario realizar previamente un análisis de la música que va a acompañar al movimiento, a fin de identificar aquellas estructuras que van a permitir desarrollar al máximo la expresión y la interpretación del bailarín/a.


Existen una serie de elementos de la música que inciden en el desarrollo de la expresión artística de la danza.


*Estos son: la melodía, la armonía, el estilo y el carácter.

1. La melodía:
La melodía se define como la combinación de sonidos musicales, o la sucesión de sonidos con la que el compositor expresa un sentimiento. La melodía aporta un soporte natural para la expresión y ayuda al uso de la respiración durante la interpretación del bailarín mientras danza.
La respiración del bailarín y la melodía actúan juntos en la construcción de frases de movimientos. Una manera de agrupar la melodía es a través de la frase musical. Ésta es una unidad conceptual, que suele constar de ocho compases, aunque pueden tener menos. En danza, se suele trabajar con frases musicales de ocho compases, que permiten realizar frases de movimientos.
Estas frases de movimientos tienen un comienzo, un desarrollo y un final y se realizan respetando las frases musicales. La continuidad en el encadenamiento de cada frase es fundamental tanto para los músicos como para los bailarines y en el caso de la danza, dará lugar a una coreografía.
Los brazos tienen más soltura que las piernas a la hora de ligar los movimientos y de darle continuidad a las frases, es por ello que se les confía la misión de subrayar dicha continuidad.

2. La armonía:
La armonía es la textura adicional de la melodía, o cómo la ciencia que estudia los acordes. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que se oyen simultáneamente.
La armonía sirve de unión entre la melodía y el ritmo, enriqueciendo la melodía y aportándole variedad y carácter. Al bailarín/a le ayuda a ser más consciente de la respiración en los movimientos, mejorando así la calidad de las ejecuciones.
La respiración permite la preparación, el desarrollo y la finalización de los movimientos, la matización de los gestos y de los sentimientos y el encadenamiento de los pasos. Por todo ello la armonía juega un papel importante.
En este apartado nos encontramos con dos conceptos: tonalidad y modalidad.
La tonalidad se puede definir como el producto que se obtiene tras organizar los sonidos de una escala, donde el más importante se llama tónica y da nombre a la tonalidad.
La modalidad es una forma de construir una escala, y va a estar en función del lugar que ocupen los tonos y los semitonos. Puede ser Mayor o Menor.
Tonalidad y modalidad otorgan a la pieza musical un carácter determinado.
Los cambios de modalidad o la transposición en la tonalidad, ayudan al bailarín a sacar fuerzas renovadas para continuar realizando la variación de movimientos. Les otorga un aporte extra de energía muy útil para desarrollar la coreografía.


3. Estilo y carácter.
El carácter es el elemento expresivo que nos va a decir como es la composición musical. Indica qué cualidad tiene: si es alegre o triste, si tiene fuerza o es sensible, etc. Los términos usados para expresarlo son entre otros: amábile , appasionato, brillante, delicato, furioso, tranquilo etc. etc.
Cada instrumento tiene un carácter particular, y al igual que el músico opta por uno determinado para componer, porque es el que necesita para desarrollar el sentimiento que quiere expresar, en danza ocurre lo mismo.
El bailarín/a o coreógrafo busca aquellas músicas que mejor se adaptan al sentimiento que quiere transmitir. Así escoge un piano o un violonchelo o una pieza orquestada o lo que necesite, eligiendo además si lo que le conviene es que esa pieza sea adagio, allegro etc.
Esto es porque la música despierta en el bailarín/a una serie de emociones que le permiten transmitir un sentimiento.
Los estilos de las piezas musicales son diversos y es importante que el bailarín/a los conozca, para poder decidir qué clase de música es la que le conviene para el montaje de su coreografía.
La danza por su parte engloba diversos estilos que son específicos. Cada uno de ellos tiene un carácter determinado y nos indica el ritmo, la dinámica y la velocidad con la que se ejecuta un movimiento.
Es importante hacer coincidir el estilo de la música y su carácter, con el estilo y carácter de la danza que se vaya a desarrollar, a fin de fundir ambas disciplinas en una interpretación rica que llegue al espectador como un todo de expresión de sentimientos.

La música y la danza son dos disciplinas distintas Sin embargo ambas tienen numerosos aspectos en común, de los que pueden beneficiarse mutuamente.
Por su parte, la música proporciona al bailarín o bailarina los elementos que necesita para apoyarse, expresar y comunicar sentimientos.


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Ambas disciplinas poseen elementos comunes que permiten su conexión. Estos elementos son:



a) El ritmo:

El ritmo se puede definir como una organización temporal del sonido, que nos permite predecir cómo van a ir apareciendo en lo sucesivo.


Para los/as bailarines/as el ritmo es una constante que proporciona la principal fuerza de movimiento.
El ritmo tiene dos componentes que son el pulso y el acento.
El pulso es una percusión que se repite periódica y regularmente en una obra musical.
En danza constituye un latido que permanece siempre y que todo bailarín/a debe seguir internamente, para evolucionar adecuadamente dentro de su desarrollo coreográfico.
El acento se define como la mayor intensidad de una pulsación con respecto a otra y va a definir las diferentes clases de ritmos.
En Danza, el bailarín/a utiliza estos acentos musicales en correlación con los acentos musculares, para marcar el impulso de salida de un movimiento, para fijar la posición en el espacio en un punto culminante de la coreografía o para marcar el momento final del movimiento.



b) El compás:



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Un ejemplo claro del compás es en el vals


Es un instrumento que permite ordenar los distintos ritmos naturales, con la finalidad de hacer más fácil su lectura y ejecución. Existen distintos tipos de compases según el acento base se repita cada dos, tres o cuatro pulsaciones.
En danza, gran parte de la música que se utiliza para bailar es contada y el compás musical nos indica cómo se debe contar la pieza que se está coreografiando o interpretando. Así por ejemplo un compás binario se contaría “ un y dos y tres y cuatro ….”.





c) El tempo:

Señala aspectos relacionados con la rapidez, es decir, hace referencia al grado de lentitud o velocidad con que deben ser marcados los tiempos de un compás. Para ello se utiliza un vocabulario especial que permite calificar sus matices: adagio, allegro etc.

En danza los movimientos tienen también su propio tempo. El tempo de un movimiento podemos sentirlo a través de la velocidad de su realización, la duración, el intervalo entre dos acontecimientos, las pulsaciones, acentuaciones, silencios y la intensidad de su ejecución.

Así existen movimientos grandes y ligados que tienen un tempo lento o largo, y otros movimientos que son más precisos y rápidos que se realizan tipo allegro.

d) Los matices:

Se define como los diferentes contrastes que pueden aparecer en el transcurso de una composición y que afectan a un fragmento de la misma en un momento determinado.

Hay dos tipos de matices:

· Uno que afecta al grado de rapidez o lentitud con el que se ejecuta determinado fragmento o agógica y
· Otro que afecta al grado de intensidad con que se ejecutaría determinado fragmento o dinámica.

La acción de la dinámica en la música viene dada por la variación de los matices de fuerza, suavidad, gravedad o ligereza de los sonidos, bien por transición o bien progresivamente.

En danza, los grados de intensidad (altos y bajos) de la música, ayudan al bailarín/a a la realización de una interpretación variada, no aburrida.
Se suelen asociar determinados niveles de dinámica, con algunas variaciones o combinaciones de movimiento. Por ejemplo los grandes saltos se asocian con una dinámica fuerte.
Por otro lado se puede asociar expresión de sentimientos a los diferentes tipos de dinámica, por ejemplo una dinámica fuerte puede servir para expresar alegría.
La agógica permite apreciar la duración con la que se ejecuta un fragmento musical (su lentitud o rapidez).
En la danza se suelen utilizar diferentes tipos de agógica:

- Hay pasos que por sus características necesitan acelerar la música.

- Hay momentos en los que las variaciones de movimientos, están constituidas por dos partes bien diferenciadas que necesitan agógicas distintas.

- Por último en el desarrollo de una coreografía se pueden alternar diferentes tipos de agógicas, cambiando a más rápido o más lento en distintas ocasiones.





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Con esta información logramos ver la relación entra la música y la danza que son dos disciplinas que necesitan
tener algo que comunicar para poder crear o interpretar, y el bailarín utiliza la música como medio para hacer fluir sus sentimientos y comunicarse, entre ellas existen muchos elementos de conexión y no cabe duda de que la danza está íntimamente ligada a la música. La música para danza tiene como objetivo realzar el movimiento. La interacción entre los diferentes aspectos que tienen en común la música y la danza, motivan al bailarín hacia la ejecución de los diferentes pasos y estimula al espectador hacia el disfrute de lo que está percibiendo.




Colaboradores : [ Fecha de cosulta : 25 de Octubre del 2010 ] Bachmann, Marie- Laure, “La rítmica de Jacques-Dalcroze”. Editorial Pirámide. Madrid.1998 ; Challet-Haas, J. “ Manuel pratique de danse classique”. Editorial Amphora. París.1983 ; Fuentes, P y Cervera, J “Pedagogía y Didáctica para músicos”. Piles editorial de música. Valencia.1989 ; Jay, D.M. y Kassing, G. “ Teaching beginning ballet technique” Editorial Human Kinetics.Illinois.1988 ; Orff, C. y Keetman, G.: “Música para niños Vol I”. Editorial Unión Musical Madrid.1988 ; Robinson, Jacqueline “ L´enfant et la danse”. Jacqueline Robinson París.1988 ;Shinca, Marta “Psicomotricidad, ritmo y expresión corporal”. Editorial Escuela Española.Madrid.1989 ; Varios autores, “Música y Danza para el niño”. Edita Instituto alemán Madrid.1979.